Ahura

典藏是一座美術館的核心價值與定位表徵，是為未來世代保存過往藝術資產的佐證。將靜態的收藏內容積極地透過展示、教育、研究、詮釋等動態活動與大眾接觸，分享與擴散美學、歷史的知識傳播，是美術館的責任，也是美術館典藏的意義。本館逾37年的蒐藏，透過購置、受贈、競賽徵集、移撥四種來源，至2024年底收藏總數量已達22,070件，核心蒐藏範圍自18世紀以降至當今的藝術作品，以及與藏品相關之文獻資料，構成豐富的典藏體系與內容，歷年已經策劃辦理數十檔相關的主題展、斷代史展、藝術家專題展、經典藏品展等，是建構臺灣美術史的重要文化資產。臺灣在16世紀中葉的大航海時代躍上國際舞臺，成為東西方貿易航線交會的轉運中心。然原住民族大約在8000年前即在此居住活動，是南島語系民族分布的最北端。而自17世紀以降數百年的異族殖民，造就了臺灣人民堅韌、樂天、開朗的個性，臺灣文化則發揮海洋文化的特色，兼容並蓄了不同來源的外來文化，形成各時代多元多樣、相互輝映的豐富景觀。在臺灣美術發展的歷程中，從荷西時期開啟與本島連結的海圖、地圖與原住民生活樣貌的繪製，而後受到中國閩粵地區書畫、從日本移植而來的近代西洋藝術，及第二次世界大戰後歐美當代藝術傳入的影響，無不以間接或直接的方式映射出彼此緊緊相扣的關係，交融根植並發展出本土藝術的獨特面貌。本次「時代印記：國美典藏常設展」邀請黃冬富教授，與本館研究人員薛燕玲、林振莖、蔡昭儀、馮勝宣共同策劃，規劃五個主題展區：「中原流風：臺灣早期書畫」、「引光顯影：20世紀前期臺灣美術的在地色彩」、「浪潮與衝擊：1945-1979臺灣美術發展」、「激撞與反思：1980s～1990s臺灣美術主體性尋探」、「交融與重構：2000～全球視野與數位浪潮」，分別闡述臺灣明清時期傳統書畫的狂野率性特質如何反映早期拓墾時期的衝創精神；日治時期臺灣畫家如何透過對於風土「在地色彩」的探索形塑現代化與地方認同的意識；戰後至七○年代如何受抽象、普普藝術等西方浪潮衝擊的同時回歸鄉土美術；八○至九○年代解嚴之後又如何積極突圍，衝撞禁忌議題及探問何謂臺灣主體性；2000年以後在全球化與資訊科技的席捲之下，文化地理界線的重劃如何引發自我身分與文化認同之重建，而多元族群、環境議題等等也都成為臺灣藝術家關懷的面向。整體充分展現出不同時期的藝術家，如何透過繁複的題材與手法來演繹時代精神。本展企圖透過本館典藏品的展示、館藏文獻與一手資料的整理研究，來映照臺灣美術史的發展歷程。更以編年的方式，來凸顯藝術創作如何隨著歷史開展與時代變遷顯現與遞延；並將臺灣作為主體，放在世界的脈絡中探看臺灣美術發展之路徑，一方面探勘臺灣藝術在揉雜的現象之下如何追尋與建立自身的主體性，另一方面展望未來與全球藝術脈動更深刻的連結。(文字來源)

The works of Liao Chi-Chun (1902–1976) are celebrated for their uniquely romantic, vibrant colors, as if expressing symphonic visual poetry highlighted by a rainbow-like palette. The purity of the color and the sense of freedom in his brushstrokes demonstrate the power of his compositions, reflecting his inner artistic world of harmony and leaving a lasting visual impression on viewers. The year 2026 will mark the 50th anniversary of his passing. The National Taiwan Museum of Fine Arts (NTMoFA) has organized this exhibition to revisit and honor his significant and profound influence on the development of Taiwanese art history.Liao dedicated his entire life to painting. From 1927 to 1943, he actively participated in the Taiwan Art Exhibition (Taiten), consistently delivering excellent works. He also served as a juror for the Western-style Painting Division from the 6th to the 8th Taiten (1932–1934). In 1928 and 1931, his works were selected for the Imperial Art Exhibition of Japan (Teiten). Later, in 1937 and 1938, he was twice selected for the New Ministry of Education Art Exhibition (New Bunten), earning him significant recognition in the art scene. Liao was also a dedicated educator, nurturing artistic talent at various institutions, including Tainan Presbyterian Middle School, Tainan First High School, Taichung Normal School (now National Taichung University of Education), National Taiwan Normal University, National Taiwan Academy of Arts (now National Taiwan University of Arts), and Chinese Cultural University. Additionally, Liao actively contributed to the development of the art scene, taking part in the founding of art groups such as the “Red Sun Society” (赤陽畫會, 1927), “Red Island Society” (赤島社, 1929), and “Tai-Yang Art Association” (臺陽美術協會, 1934). After World War II, he served as a long-term mentor and advisor to many art competitions, including the Taiwan Provincial Fine Arts Exhibition (全省美展) and the National Art Exhibition, R.O.C. (全國美術展覽會). Throughout Taiwan’s martial law period, he encouraged students to embrace new painting ideas despite the restrictive authoritarian climate, supporting the formation of the Fifth Moon Group (五月畫會), which opened a new path for abstract art in Taiwan.Liao’s artistic achievements can be divided into three main phases, shaped by the social environment, cultural background, and art movements. During his studies in Japan, he was trained in the en plein air style, which emphasized outdoor sketching and the sharp capture of changes in natural light, resulting in works with vibrant colors. Meanwhile, the impact of Fauvism’s bold style is clear in his daring, evolving expressive techniques. Starting in the late 1940s, he adopted more subjective uses of color, often employing monochromatic schemes such as green, soft greenish blue, or pink to unify his compositions. In the 1950s, influenced by Western modern painting, he explored cubist-style segmentation and abstract painting techniques. In 1962, he was invited to visit the U.S. and Europe, which catalyzed a pivotal and transformative shift in his artistic journey. This experience motivated him to develop a new style that simplified concrete forms or abandoned representational imagery altogether, expressing abstract ideas through line and color alone. He introduced unique hues such as lemon yellow, pink, and sky blue into his palette, creating a distinctive “visual musicality” in his paintings through the interplay of multiple colors, tones, brightness, and saturation. Although his later works moved away from pure abstraction, they also moved beyond depicting figurative subjects, instead using concise, free, and semi-abstract brushwork, combined with his signature refined color expression, to convey the meaning and spirit of his art.This exhibition features works from the collections of the NTMoFA, the Taipei Fine Arts Museum, the National Museum of History, the Shung Ye Museum of Formosan Fine Arts, the artist’s family, and private collectors, totaling 128 pieces. These include 96 oil paintings, along with 32 watercolors, sketches, and pastel drawings, as well as numerous documents, photographs, and books related to his life. Organized into four subthemes, the exhibition showcases and explores Liao’s creative context, subjects, and styles. It thoroughly examines his artistic practice and overall participation in cultural development, aiming to foster new understandings and dialogues between the public and Liao’s works and artistic achievements. (source)

廖繼春（1902-1976）的作品色彩浪漫瑰麗，宛如虹霓多彩形成的樂符詩章，色彩的純淨與筆觸的自由自在展現其畫作構成的力量，猶如映現其內心與世無爭的藝術世界，為觀者留下深刻的視覺印象。2026年適逢逝後50週年，本館辦理本展回顧其在臺灣美術史發展具有重要地位及影響深遠的藝術歷程。廖繼春一生投注所有時間在繪畫志業，1927年至1943積極參與「臺灣美術展覽會」，每回都有傑出的表現，且受邀擔任第六回至第八回（1932-1934）的西洋畫部審查員。1928年、1931年入選日本「帝展」，再於1937年與1938年二度入選「新文展」，在藝壇上具有極高的榮耀。並在臺南長老教中學、臺南一中、臺中師範學院（今臺中教育大學）、國立臺灣師範大學、國立臺灣藝術專科學校（今國立臺灣藝術大學）、私立中國文化學院（今中國文化大學）等校培養美術人才。同時對於藝壇提升的推動也積極投入，包括「赤陽畫會」（1927）、「赤島社」（1929）、「臺陽美術協會」（1934）的組成，及戰後長期擔任「全省美展」與「全國美術展覽會」等多項美術競賽的指導工作。而在臺灣戒嚴時期，不畏威權體制戒備森嚴氣氛，開明的鼓勵學生接受新繪畫觀念的薰陶，支持成立現代繪畫畫會「五月畫會」，開啟抽象藝術在臺發展的新路徑。廖繼春的藝術表現與成就約可區分為三個高峰期，受到時代環境、文化底蘊、藝術思潮等背景影響中蘊釀出來。從早期赴日求學，師承外光派畫風，強調戶外自然光下寫生作畫，敏銳捕捉光線變化和明亮色彩的呈現，且受野獸派之豪快風格所啟發，表現出大膽變化的表現形式。1940年代後期採取更為主觀性色彩的表達，開始以綠色、溫和的水綠色或粉紅色等單色系色彩統合整體畫面。1950年代起受到西方現代繪畫的影響，出現立體分割與抽象畫的嘗試，1962年應邀訪問美國與歐洲，是促成其在藝術創作上轉折與飛躍的重要年代，刺激其繪畫新風格的嘗試，簡化具象造型的描繪、或完全擺脫形象的羈絆，純粹以線、彩表現抽象的意涵。色彩的應用也出現檸檬黃、粉紅、天藍等特殊色彩，藉由多重的色彩、色階、明度、彩度的交互作用，構築其特有的「視覺音樂性」的繪畫表現。晚期作品並未朝向純粹抽象路徑前進，但具象的對象表現似乎也已非他所關注的重點，藉由簡潔抒放的半抽象筆觸，和個人獨特色彩凝鍊的表現風格，似乎才是能真切傳達其創作的意念與精神。本展展出作品來源包括本館、臺北市立美術館、國立歷史博物館與順益美術館之典藏，及家族與藏家收藏之作品。展出作品計有128件，媒材包括油畫96件，水彩、素描、粉蠟筆速寫等之作品32件，以及數十筆生平相關之文件、照片、書籍等，規劃成四項子題呈現與探討其創作脈絡、題材與風格，貫穿其美術創作實踐與於文化脈動中參與的整體歷程。期待讓大眾與廖繼春作品與藝術成就產生新的認知與對話連結。(文字來源)

典藏是美術館發展的核心，典藏品的累積更是台灣藝術發展之珍貴軌跡。本館自開館以來，持續致力以台灣美術發展為經緯，典藏前輩藝術家作品，並積極透過本館策辦之專題展覽，購藏探討當代議題作品。以研究為基礎，關注跨世代藝術家創作發展、蒐購優秀作品，近年並開拓以具時間性的多媒體作品、行為藝術、以及計畫型作品為方向之收藏。期能與時俱進地回應台灣當代藝術發展，支持藝術家在創作上的耕耘，亦為公眾保存藝術資產。本展以2015至2022年春季入藏作品為範疇，透過「旅者的凝望」、「別樣的時光」、「人間注目」、「回看日常」四項子題，展出三十八位藝術家的油畫、水墨、素描、版畫、攝影、錄像、動力雕塑、機械裝置等共七十八組件作品，向大眾介紹本館新進典藏品，呈現近年展覽與典藏的豐盈成果。「旅途」之名，可視為與展出作品對話的關鍵詞，亦指往三個想像的方向：其一是旅途所觸發的身體移動、敏銳感知、對自我與環境的重新審視與覺察。其二，是每件作品的創作為藝術家開啟的未知旅途，以及身處其中的探索和努力。其三，是美術館與典藏作品之間，彼此在規劃與未知機緣之間邂逅的歷程。「旅途」一詞，亦是對觀者提出邀請。在觀展之前打開想像，在此隨著藝術家的目光，轉換視角，激盪對作品的多重觀看與思考。(文字來源)

1921年10月，黃土水以《甘露水》獲得日本帝國美術展覽會入選，此作以蚌殼中昂然向上的少女，宛如自黑暗中走向世界，堅強舒緩的容姿象徵著臺灣文藝復興時代的將臨；同月17日，臺灣文化協會成立。發起人蔣渭水在發表〈臨床講義：名為臺灣的病人〉（1921）一文，診斷臺灣罹患「知識的營養不良症」，須藉由文化運動醫治，而推動文化運動的組織即是臺灣文化協會。
一次大戰後的大正民主時期，在民族自決思潮與自由民權運動的衝擊下，啟發在東京的臺灣青年，反思殖民地之下的差別待遇並組織集會，而林獻堂則領導臺灣議會設置請願運動，與蔡惠如在東京催生《臺灣青年》雜誌。蔣渭水等人則是在島內成立臺灣文化協會，作為本島民間社會啟迪民智、思想解放、文化藝術啟蒙的重要開端。隨著文化運動的深化，各式政治運動蓬勃湧現，臺灣文化協會於1927年分裂後影響生成多個團體，分佔光譜不同位置共同為臺灣未來努力。另一方面，文協推展的文化運動則受到世界思潮影響，新時代的繪畫、雕刻、小說、新劇、電影紛紛誕生，與運動相輔相成新的藝術概念。藝術家追索藝術與社會之間的關係，以文藝抵抗的路線繼續延伸文協精神直到戰後。在迎接臺灣文化協會創立一百週年的2021年，北師美術館將目光著眼於時代脈絡。試圖穿越作品美學風格與藝術家自身歷程，定錨於其成長的年代，探索其時代特質，藝術家何以從中迸發力量，得以奮不顧身追求藝術，以此建構臺灣文化面目。由文化部與財團法人福祿文化基金會支持，林曼麗總策劃，邀請周婉窈、劉柳書琴、石婉舜、蔣伯欣、陳慧先、陳允元與吳俊瑩等長期精研歷史、文學、戲劇、藝術、原住民與婦女、法律的學者組成跨領域研究團隊。考察一百年之前的時空背景，從社會運動與發展切入，藉由藝術作品與文獻共構相互補述，呈現1920-40年代文化協會及相關人物所處的社會，映射臺灣文化協會文化向上的行動與精神，回訪一百年前臺灣文化的啟蒙與自覺。本展以「生命的恆流」、「風景的創造」、「大眾與摩登」與「自覺的現代性」四個子題出發，由內而外探討創作者如何從自我覺察的迸發進而書寫社會，勾勒個人和社會的交融與抵抗。與此同時於「當代的迴響」單元與阮劇團合作重新演繹當時的文化劇，以及邀請林君昵、黃邦銓導演團隊創作《甘露水》同名紀錄片與影像互動裝置將時代顯影。在多樣化梳理展呈歷史的同時，透過與當代創作者的合製共創，以當代的觀點回應創作的本質。「光——臺灣文化的啟蒙與自覺」展名以「光」為名，回應一百年前知識份子如何在黑暗的時代中仍懷抱勇氣，感知那幾近不存在的光，並心懷信念向前奔馳。(文字來源)

「高雄」作為一座以工業起家的國際港灣城市，自2002年始即以「鋼鐵」為材料，透過「雕塑」為手法、兩年一次的頻率辦理「高雄國際鋼雕藝術節」，至今已跨越兩個十年的時間維度，不僅是藝術節本身，高雄這座城市也有相當大幅度的變化。第十屆「2023高雄國際鋼雕藝術節」，設計與藝術在藝術節中攜手合作，從工業記憶小史出發，交織鋼鐵的製程與想像。22組參展作品橫跨藝術及設計的光譜，解放受疫情禁錮的國際文化交流，展現高雄金屬製造、工廠聲景、勞動者故事及工業城市地景等包羅萬象的面貌，回應高雄這座不斷製造及創造的城市。製造，是鋼鐵工業包羅萬象的產業面貌；創造，是鋼鐵藝術剛柔並濟的全新視野。Everything is connected! 鏈結鋼鐵與城市的輝煌歷史；交織產業與市民的鮮活記憶。

「桃園國際版畫展」原定在去年2021年5月舉辦，因三級疫情升溫而延宕至今年（2022）於桃園展演中心再次盛大舉辦，去年遭遇的疫情挑戰雖有趨緩，2022年仍處於後疫情的時代氛圍中，今年的桃園國際版畫展即以「版繹時代Print Out Times」為題，呈現跨媒材與版印形式的擴展，展現版畫藝術的多元面貌。本次桃園國際版畫展邀請美國、加拿大、俄羅斯、澳洲、孟加拉、日本、韓國、泰國、馬來西亞、印度…等共13國優秀的版畫創作作品，以及國內不同世代的版畫創作者，透過國際版畫展的交流，重新取樣檢視我們如何看待當下的時空意義，如何以版畫創作來回應、重新衍繹目前充滿各種詭譎多變的疫情樣貌及處境。「版繹時代─2022桃園國際版畫展」由桃園文化局主辦，中華民國版畫學會承辦與執行，透過展覽、相關講座與版畫工作坊，讓參加民眾深入淺出了解版畫藝術，親身體驗版印的樂趣並應用於生活中。(文字來源)

追求幸福，期盼周遭的人與事物都能趨吉避凶，朝向美好正向的發展，是從古迄今大家共同追求的目標。這種祈求吉祥、期盼圓滿至福的心願，深深地融入全世界各民族或族群的日常生活文化中，用不同信仰或吉祥圖騰具體呈現、各自表述心中願望。這些文化現象包括大家耳熟能詳的吉祥宗教神祇信仰。尤其是馳騁於大草原或高原自然環境的蒙藏族群更是以此為重要的精神依歸，從遠古時期他們逐水草而居，漂泊不定的艱鉅生活，認命又努力的天性，宗教成為最直接的心靈傾訴與實現願望的最大力量，尤其是各式財神信仰及蘊含吉祥寓意的文物，長期發展成為藏傳佛教完整而獨特的生活藝術之美。為了迎接新的一年，文化部蒙藏文化中心特別策辦《好運連連─財神與蒙藏生活藝術之美》特展，以介紹招財祈福的各式財神及蒙藏吉祥文化為主軸，透過文物深刻感受文化藝術具有穩定精神心靈的強大力量，並欣賞不同族群的文化藝術特色。展覽包括五大單元，從迎接「藏傳佛教各式財神」、普及於蒙藏族群日常生活的「錫祥文物」、展現歡樂佳節氣氛的「蒙古迎新年生活實景」、耀眼奪目且嚮往幸運吉祥象徵的「蒙藏衣服配飾」以及融合傳統文化底蘊與現代創作的「當代藝術與吉祥意涵」，展出將近300件具有吉祥美好意涵的作品，展現傳統與現代兼容並存的特色與和諧美感，並結合數位技術打造沉浸式體驗，提供觀眾虛擬換裝蒙藏服飾，穿越時空華麗變身，呼應藝術超越時空的對話和能量。此次展覽引領觀眾更加認識蒙藏族群豐富多元又獨特美麗的吉祥文物，同時啟發反思探索存在我們生活周遭的吉祥文化，並尊重不同的宗教信仰。謹以展覽主題「好運連連」之名，衷心祝福文化藝術傳遞良善的正能量，如同蒙藏文化中的「吉祥結」開啟無限延伸，無限祝福，「好運連連」因此串連起所有人彼此的好運，歡喜迎接新的一年來到。(文字來源)蒙古櫃供桌蒙古櫃法器箱財寶天王財寶天王

歷代佛教藝術中，千百年來以累積無數經典之作，其中書法因其在日常生活中的實用性與可讀性，可說是最為大眾所熟知的佛教藝術。而歷代高僧大詩留下的珍貴墨跡，成為書法史上自成一格的特色。本展《善事吉照─高僧書畫展》，以藏傳佛教高僧第七世章嘉大師的梵藏文書法為基礎，並與收藏書法聞名的財團法人何創時書法藝術基金會合辦，同時向國立歷史博物館、財團法人法鼓山佛教基金會及私人收藏家等單位借展，展出約80件書畫及文物作品，以「明代高僧的書畫影響」、「明末清初高僧大師的書畫墨寶」、「民國以醬具代表性高僧大師」及「章嘉大師與台灣高僧」四大主題呈現，帶領觀者欣賞不同時代高僧書畫藝術風格，呈現台灣民主自由社會下，多元族群文化的璀璨發展。本展作品從16世寄開始以至台灣當代影響社會深遠的高僧大師的書畫作品，橫跨將近500年的時間軸，形成各時期高僧大師跨越時空，彼此透過藝術進行一場多重宇宙的對談。「明代高僧書畫影響」，展出雲棲祩宏、憨山德清、雪嶠圓信、蕅益智旭四位高僧的書畫，呈現他們對明末以降書畫發展的深遠影響；「明末清初高僧大師的書畫墨寶」，展出清初四畫僧─原濟石濤、八大山人、髡殘石谿、弘仁漸江等人的珍貴作品，敘述時代的動盪不安，以禪入畫，將家國破滅的傷愁，化為幻化超脫筆底煙雲，獨特鮮明的風格饒富藝術內涵；「民國以醬具代表性高僧大師」，展出弘一法師、印順導師、星雲大師、證嚴上人、聖嚴法師及惟覺老和尚等人的墨寶，他們提倡「人間佛教」的思想，對現今台灣社會的和諧安定有正面影響；「章嘉大師與台灣高僧」，則以章嘉大師環島弘法期間曾與印順導師、大醒法師、南亭法師、妙果老和尚等合作推展佛教事業，這些大師作品也在本次展出，十分殊勝難得。本展希望觀者瞭解作品背景知識的同時，也能閱覽高僧生平故事。特別當這些書畫呈現於面前時，亦能體會到高僧即使身處動盪時代，堅持弘法內修的精神。更重要的是，不論是藏傳還是漢傳之高僧精神，於觀覽的同時，向高僧們頂禮，表達最崇高的敬意。(文字來源)

從清代、日本到國府等不同統治階段，臺灣百年來的美術發展，猶如其所經歷的多重殖民經驗一般，多元而紛呈。不論是因求學、工作、經商、移防或戰爭而流離他方，藝術家往來於不同國度，跨域之間造成的遷徙、接觸、融混與衝突，已無可避免。本展以「鄉關何許？」為名，設定嘉義地區為空間端點，探索日治時期至戰後期間，臺灣及中國兩岸畫家往返其間產生美術流動及跨文化交涉對應等議題。同時，分析處於身分模糊/重疊的時空交錯下，作品如何突顯「故鄉」、「異鄉」曖昧的土地身分，呈顯何種交混的國族認同。本展涵蓋(一)日治時期前往中國的臺籍嘉義畫家，以及(二)戰後渡海來臺定居、任職嘉義的陸籍各省畫家等兩大群屬，並涉及(三)少數日治時期移居臺灣或曾來嘉遊歷交流的中國畫家。在嘉義這塊稱為「故鄉」或「異鄉」的土地上生息繁衍，在主與客/內在者與外來者的彼此錯雜中，他們或從事教職公務，或深耕創作及美育推展工作，貢獻地方甚鉅；其彼此間亦形成不同人際關係網絡，藉由交流形塑群體意識，維繫自身的文化傳承或擴張族裔連結，彰顯不同時代、世代、區域或出身等複雜的身分特徵，形成風格形式、精神內涵上的互動與對應現象。根據不同群屬之間的脈絡交往關係，規劃六大子題：「此岸彼鄉」、「時空越界」、「家園圖景」、「文化典型」、「書畫傳藝」及「雅集交遊」，以多視點相互對照之方式進行分區展示。藉由從殖民、後殖民到跨殖民不同階段之文化理論串接，檢視日治時期至解嚴前後嘉義地區美術發展之多元面貌，分析不同群屬作品中有關遷徙、流轉及時空交錯的時代意義。其次，在特殊政治局勢下各自彰顯何種糾結於國族、家園、群我與地方之間的文化協商，透過何種折衝與媒介，調和臺、日、中、西等矛盾及差異，進而完成自我風貌及身份認同之重構等問題。(文字來源)陳澄波，琳瑯山閣，1935陳澄波，西湖，1933席德進，朴子廟，1949劉新祿，新高山的曉望，1939席德進，仕女，1956席德進，林玉山畫像，1949

陳漢聲と劉星佑から成る台湾のアートユニット「走路草農藝團」は、8月から11月にかけて「アーティスト・イン・レジデンスつなぎ2025」の招聘作家として、津奈木町や近隣地域を中心とした熊本の風土や信仰、生態系と人の営みなどについてリサーチを重ね、新たな制作に取り組みました。台湾の半導体企業の進出により、従来の農業と最新テクノロジー産業の共生を模索する熊本の現況は、すでに両者が交錯し、経済的に発展しながらもさまざまな課題を抱える陳と劉の故郷であり活動の拠点でもある高雄の状況と重なりました。急速な社会の変化にともない、国境を越えた経験と英知が求められる中、陳と劉が津奈木町で生み出した数々の作品は、限られた資源の分配、伝統的な信仰や価値観の変容、不可逆的な生態系の喪失といったテーマに私たちがどのように向き合うべきかをユーモアを交えながら静かに問いかけます。「アーティスト・イン・レジデンスつなぎ2025」の成果展である本展は、「走路草農藝團」としての作品展、陳の個展、劉の個展の三部構成となっており、いずれも津奈木町滞在中に制作した新作を展示します。(文字來源)

何創時書法金會成立於1995年，至今已走過30個年頭。多年來，基金會藏品與展覽主題，主要集中在明代與民國文人書法，已於海內外舉辦過不同主題上百檔特展。為迎接三十周年的到來，特別推出以往較少展出的元代高僧、明代帝王、思想家、元明佚名畫作等。(文字來源)馬負圖，官上加官圖翁大立，孔子觀欹器圖湛若水，贈丙朋門台山水圖佚名，仿巨然山水圖孫堪，見荷草廬圖張寧，奚官相馬圖文伯仁，葛稚川移居圖